平面設計先鋒《 Paula Scher 》

美國當代平面設計師也是藝術家 Paula Scher ，其35年的工作經驗，在這一次演講裡闡述了她嚴謹的看待平面設計這個工作，但卻不失其玩心，以 “Great design is serious , not solemn “ 為主題來說明這其中的分別 。



一 開場就說，她的工作就是"玩"，但是一個設計作品要 "solemn " 嚴肅很容易，但是 "serious" 嚴謹卻很難，她提到年輕時最痛恨的字型就是-Helvetica，因為她覺得這字體很無趣，但這卻是設計界使用最廣泛的字型。她的作品多半以 Typography 為主要視覺表現，公共空間識別系統、Logo設計，最讓人印象深刻的是手繪文字的地圖系列，簡直就像是藝術創作，從中可以看出她對於使用字型的獨到觀點， 相當難得的演講。

網路來源：http://adcstudio.blogspot.tw/2010/11/ted-paula-scher.html

「have a good time」源自東京街頭店鋪！

起初由一小群人開設的店鋪，隱藏於東京中目黑巷弄間，商店內充滿了成員四處旅行蒐集來的奇異書籍、音樂、藝術品、玩具，以及有著自己標誌性標語「have a good time」的衣服。

別具特色的店舖風格在日本當地小有名氣，在過去幾年的時間日益受到歡迎，一直到了與 Beams 及 Isetan 聯名後更是知名度大開，近期開始活躍於海外，不僅在上海開了餐廳，還與韓國品牌聯名，備受矚目，不過也因此被不熟悉的粉絲誤認為韓國潮牌。

事實上讓 have a good time 提高能見度的伯樂，非與其多次聯名的 Beams 老大哥莫屬，從早期 2013 年與 Beams 及 Vans 的三方聯名，直到近期合作推出的聯名背包，在在都能看出 Beams 對 have a good time 的提攜之意！

從設計談風格-普普風

普普藝術的觀念

他們認為公眾創造的都市文明是現代藝術創作的絕好材料，面對消費商業 文明的衝擊，藝術家不僅要正視它，而且應該成為通俗文化的歌手。

在藝術追求上繼承了達達主義精神。作品中大量運用廢棄物、商品招貼、 電影廣告、各種報刊圖片、漫畫做拼貼的組合，故有新達達主義的稱號。 但沒有早期達達主義那種諷刺性、破壞性和漫無秩序的風格，反而以超然 的態度歌頌那些被人棄之不顧或已經被人處理過的東西（甚至是複製中的 複製）。

吸取抽象表現主義的精粹，拓展藝術表現手法。

但反對抽象形象，而又重 回到具象風格，且畫工極為細膩與明確。 

美國普普藝術家聲稱他們所從事的大眾化藝術與美洲的原始藝術和印第安 人的藝術類似，是美國文化傳統的延續和發展。 

普普藝術特殊的地方在於它對於流行時尚有相當特別而且長久的影響力。 不少服裝設計，平面設計師都直接或間接的從普普藝術中取得靈感。

普普風潮為何形成風潮

普普藝術出現在反戰的、後現代的50、60年代，上承達達，融合拼貼，通俗的、大眾文化轉化為藝術，其對商業藝術的影響持續至今。

最具親和力的復古風

普普來自大眾文化，不若新古典風帶著沈重的歷史包袱，普普風應該是所有復古風格中最具親和力、最讓人感覺沒有距離。

最容易被運用在空間

普普的裝飾性強，普普風的佈罝沒有特定的形式。圖案可以是幾何圓形，生活上的用品，也可以是畫報的再製重複與堆疊。增添簡潔空間的趣味。

接下來我們來欣賞一些普普風大師－安迪沃荷的作品吧！

比普普藝術更普普的藝術- 街頭藝術STREET ART

＊街頭藝術讓更多人開始創作藝術！

街頭藝術起源於塗鴉，六零年代甚至更早之前，塗鴉是中下階層發聲的管道，而隨著簽名者加入更多創意，作品漸漸地藝術化，才出現我們現在看到充滿色彩的塗鴉。（藝術化的界定見仁見智，許多塗鴉人稱最剛始的簽名，也算是行動藝術、表演藝術。）而過去塗鴉人們在街上不屈不撓的奮鬥，讓塗鴉的美學最終被大眾發掘。雖然塗鴉依然深具爭議，但是隨著塗鴉藝術化、Banksy效應（Banksy成功地打入當代藝術），大眾開始感覺到以前醜惡的塗鴉，竟然有些深具內涵且繪畫技巧出眾，甚至有些還價值連城！！！這些種種的因素，讓塗鴉文化開始變形，一部分hardcore的塗鴉依然被以地下的方式保留起來，而一部分的塗鴉變成了我們現在觀念中的Street Art。而這些從街頭起家的街頭藝術家，在，也開始向當代藝術蜂擁而上，和高學歷的＂皇家藝術家＂搶食當代藝術這一塊大餅。在過去還會有許多學者爭辯塗鴉是不是藝術？但是在今天＂街頭塗鴉是一種藝術＂，已經變成了一種人們反射性的常識。

＊人們開始討論街頭藝術！

在過去，誰是所謂＂評斷藝術＂的人？想當然爾是藝評家，而今天評比街頭藝術的卻是一般的民眾。而街頭藝術家來自街頭，來自民眾，這些藝術家的作品淺顯易懂，有時是一隻動物，時而是一段故事，讓人一目了然。沒有高深的學問和理論，單純地圖像卻神奇似的啓發了民眾的美感。人們在街頭藝術當中，打開五感就能接受到街頭藝術家所創造的異想世界，是最最最最純粹的藝術，最發自內心的美，且來者不拒，今天不管是街上的遊民，還是坐豪華禮車經過的富人，在面對牆上的畫都能夠以相同的心情欣賞，甚至被感動。而對於某些居民來說，甚至喜歡、歡迎塗鴉來豐富他們的生活，人們的心又回到在地的感覺，時而討論東街牆上多了隻動物，西街地上多了個雕塑品。塗鴉與街頭藝術就是這樣子不知不覺地被人們接受了，而居民也樂於環境變的如此有趣。塗鴉藝術的零距離，讓民眾不用老遠跑到美術館，才能享受（看不懂）的藝術。

＊一般人開始收藏藝術！

而塗鴉與街頭藝術的收藏從Keith Haring、Jean-Michel Basquiat開始，直到現在的Banksy到達了高鋒。八〇年代時我想應該沒有人會沒事去買一個街上隨便一個人的作品，許多人會認為這就像是把錢丟到水裡，因為塗鴉是不具金錢價值的藝術。但是從Banksy之後，人們看到街上的東西可以比主流藝術家更值錢，甚至超越Andy Warhol！人們開始注意街上的藝術！藝術投資是中產的興趣，但是小編看到更多民眾是以＂單純＂喜歡的心收購塗鴉畫作。這些新興的藏家有些是藍領，有些甚至是遊民，但他們樂於收藏藝術，無論這些作品是否會增值。

看資深樂評人如何與新時代脫鉤

「草東沒有派對」成為今年春天的樂評顯學，似乎誰都要來參一腳，發表一下見解。資深樂評人王祖壽，在 24 日於聯合新聞網上一篇〈草東與草蜢〉的樂評，卻引來了不少撻伐，被當作奇文共賞。這位前年出書後，可順勢邀到五月天、江蕙、周杰倫、張小燕、張學友、陳奕迅、陳綺貞、劉德華、蔡琴、蔡依林、歐陽菲菲、黃鶯鶯等眾星寫推薦序的樂評人，在書寫這一年來竄起的草東時，竟踢到了鐵板，像是穿透同溫層而來，另一個世界的嚇人觀點，訕笑之餘，也實在有不少值得思考的地方。

帶著小巨蛋心理看 Live House

撇開該文標題，相當勉強地在「草」字上連結，從音樂屬性、表演模式、養分吸收到長成過程，相似性近乎為零的「草東沒有派對」與「草蜢」兩團，以及對歌曲作品的個人形容筆法，王的文章仍透露出不少對草東所處場景的無知與脫勾處。就說第一段提到樂迷在雨天，湧向「Legacy陽春沒有座位的舞台」。不知道「陽春沒有座位」究竟是中性形容華山 Legacy 的環境，還是帶著「有座位的小巨蛋」的對比心態，來檢視這對於諸多樂團來說重要的展演場地？

顯然，這樣寫是為了映襯出樂迷們甘願闖過重重「障礙」（如：大雨窒悶難躲、華山滿地的泥濘、陽春沒有座位）也要聽草東的熱情吧。但就筆者撐傘去 Legacy 聽表演的經驗，實在沒有幾回踩泥濘的辛苦歷程。華山文創園區確實有草地，不過走走前門、側門地板可都是水泥地阿。沒座位？常到 Live House 聽表演的人都知道，站著聽團是一件再平凡不過的事了，實在沒必要特別當成「障礙」。王究竟有幾次聽樂團現場的經驗是相當可議的。這是他與草東樂團所處場景脫鉤的第一點。

封閉在中文世界裡聽獨立樂團

第二點脫鉤是「思維／路數／技法等量齊觀，能夠承載五月天、蘇打綠、四分衛、回聲…音樂力道向上，仍待人文環境孕育接續養成。」這句。

王在這段將提出當今「獨立樂團」的素質落差問題，並列舉上述樂團為標準，筆者認為，他們在中文世界的成功或許有部分的可取之處，可惜王或許礙於篇幅而沒有提理由出來解釋清楚，這些團究竟有何值得效仿的地方（行銷包裝？寫歌技巧？樂迷經營？），甚至直接套了「承載」一詞，聽來就像：「你們怎不如前輩五月天、蘇打綠好？」 這項比較的盲點在於，現在的「獨立樂團」可未必有要承接五月天、蘇打綠的意思與責任；他們生命中的啟蒙團，以及對好作品的標準，可能是國外風格大異的優秀樂隊，一路至今，從來不帶也沒必要帶著「台灣樂團史」的包袱經營自己的作品。

就算王指的是「作品成熟度」好了，可將樂團的成長孕育，化約到「人文環境」這種模模糊糊的培養皿裡，不只詭異，更是偷懶。「人文環境」究竟是什麼鬼玩意兒？多讀文學嗎？多看影展嗎？多參加沙龍論壇嗎？關於「思維／路數／技法」云云，有時並非樂團素質不足，而是我們缺乏理解能力，以致往往不識真貨與偽貨，以致聽不出誰抄襲國外經典，以致那些，把爵士樂、R&B 或電子樂當成黑胡椒調味的某些「主流」樂人，能倚著大把的行銷預算霸佔「電子搖滾」、「靈魂歌姬」或「跨界爵士」的招牌，而真正專業的反倒靠邊站，被當小眾。這是更大的問題，也是這類樂評人從不檢討的。

簡單兩句，王除了五月天這類中文世界的樂團，還舉的出國外當代的獨立樂團來比喻嗎？而對於玩電子的，給他「人文環境」還不如給他們一座能盡情發揮的舞池呢。

自曝的豈止一人短處？

王在文中至少說對了一件事：「今年 2 月剛發行首張專輯『醜奴兒』，主流傳媒一無所悉」（硬要挑毛病的話，這話也只說對了一半，事實上專輯製作為求精良而有所拖延，《醜奴兒》遲至 3 月 11 日才實體上架） 。

主流傳媒在音樂新聞上，早已僅剩「娛樂」視角。鄭宜農沒出櫃，滅火器沒有合約問題，王榆鈞與時間樂隊在金音獎演出時外場沒被消音；他們光是發片並不會有任何版面，新團草東沒什麼搞怪之處，「一無所悉」是理所當然。而今，從王的這篇文章亦透露出，某些名氣響亮、應當專業介紹作品的資深樂評人，面對新世代的聲音，其觀念也不太可靠了。且再想，草東使其自曝的豈止王祖壽一人的短處呢？僅有這樣的音樂解釋能力的人，難道不一直存在於我們的主流媒體環境之中嗎？

音樂媒體在這時代的存在絕對重要，而如果音樂創作有新舊世代的交替，現在開始也是時候讓樂評進行新陳代謝了。

後記：筆者認識不少，也具資歷的樂評人，聆聽範圍廣，對於作品討論極具專業，也常常是自己求知解惑的對象，無奈他們總不是主流。文末所謂代謝並不針對年齡世代，針對的是討論音樂方式的思維汰換。
網路來源：https://solomo.xinmedia.com/music/71935-oispfkspfk

Andy Warhol 商業藝術

畫作特色


安迪.沃荷Andy Warhol
1962~64年間,
將食品消費的意念表達在藝術創作.利用連續攝影的藝術創作手法,將各類大眾生活題材,成為吸引人群的組畫創作.  

他突發奇想的創舉,尤其是[Campbell's soup]坎貝爾湯罐頭與可口可樂瓶,變成商業形象先驅,群體複製影像藝術。


再以靈活技巧的攝影技法,和版畫絹印的方式，或種種影像處理,繪製圖騰印在畫布上，展現大幅海報形式,震撼人心的藝術傑作。
他常常運用豐富多變化的色彩,反覆重疊顯影的印在畫布上，利用美的規則性的整齊排列、組合變化,以達成視覺創意展現.


這種呈現美國當時的文化思想產物,不但具藝術美感和經濟文明意義，將時代邁向美國普普藝術發展。也振奮美國人心的樂觀面.

安迪沃荷如何掌握在商業生產的成功要素呢?

家家佩服安迪沃荷的遠見,超利害的嶄新行銷理念, 抓住時代社會脈動,掌握工業蒸蒸日上的急速發展,與藝術的突破意識轉型!

他的藝術與商業廣告結合,主要是以複製商業產品,機械性來呈現,傳播快速,很符合美國當時的文化思想產物,不但應證藝術美感和文明意義，將時代邁向美國普普藝術發展。也振奮美國人心的樂觀面.


安迪.沃荷  Warhol他的想法樂觀,充滿無限活力.
他的名言：「未來，每個人都有15分鐘的成名機會 」

(In the future everyone will be famous for fifteen minutes.)。



網路來源：http://cchen150.pixnet.net/blog/post/3405910-美國普普藝術warhol安迪.沃荷~商業藝術

藝術家 任航-詩意裸像

任航（REN HANG)為中國著名的攝影師以及詩人，以「裸」的意象為基底，但在畫面裡沒有重口味的激情，而是透過器官或是情境的設定，引起性的想像或情慾。

除了室內創作，他的戶外拍攝也令人印象深刻。裸身模特或蜷曲、或堆疊，用各種姿態和自然發生干係、以肉色與自然的綠意和土色共鳴

這樣的風格被界定為軟色情攝影（Softcore pornography），他並非特意要以此發跡或是引人注目，而是認為性是世界的源頭，如果没有性，這個世界是不復存在的。在他的作品中，人類後天所養成的形象與包袱，通通隨著衣飾一起褪去，回到我們與生俱來的樣子，彷彿任何挑逗也都是本能的反應。

關於拍攝，任航不注重技巧，也沒有厲害的設備，常用的相機還是二手市場挖到的古董。攝影對他而言是一種本能的記錄。

『我沒想通過我的東西傳達給別人甚麼，也沒想通過我的東西改變這個社會這個世界之類的。就像你所拍的你的情人，照片本身也許沒有任何的設計和技術，但是你把它擺放在你的床邊，懸掛在一打開門就能看到的那面牆上，這就是最好的作品，再沒有任何其他完美的攝影作品，可以得到那樣的青睞。我在拍之前和拍之後都會想，我拍得快樂嗎？被我拍的人是快樂的嗎？人活著就是要快樂啊。如果只是為了什麼目的去拍攝，那不如大家坐下來喝一杯，或者看部電影，聊聊初次性經驗什麼的來得有趣。』

來源：1.http://www.biosmonthly.com/daily_news_topic/2749

            2.BBC